고영찬 개인전 [엑스 시추] | Ko Young Chan Solo Exhibition [Ex-Situ]
2022.4.30 – 5.29
관람시간: 12:00-19:00(월요일 휴관)
협력기획: 임보람
포스터 디자인: 손승효
주최 플랜비 프로젝트 스페이스
후원 한국문화예술위원회
Opening Hours: 12:00-19:00(Closed on Mondays)
Curated by Boram Lim
Poster Design by Seunghyo Son
Organized by Plan B project space
Supported by Arts Council Korea
* 이 전시는 한국문화예술위원회의 2022년도 청년예술가생애첫지원 사업을 지원 받아 제작되었습니다.
전시 서문
글 임보람(플랜비 프로젝트 스페이스 디렉터)
고영찬 작가의 ‘장소’는 살아있다. 마치 ‘장소’를 ‘인물’인 것처럼, 그렇게 여기는 것 같다. 그에게 있어 장소란 묵묵히 사건을 목도하고, 흔적을 품어 증거를 남기는 곳이며, 그 장소를 살아간 사람들의 기억이 몇 겁(劫)의 시간이 흐르는 동안 켜켜이 쌓여, 조용한 목소리로 우리에게 서사시를 읊어줄 것만 같은 대상이다.
‘독학 수사관’을 자청하는 작가는 다큐멘터리적 방법론으로 ‘아래로부터의 역사’를 위시한 작업 방식을 고수해 왔다. 하지만 그는 사건과 장소의 기록에 충실한 역사가라기보다는, 흥미로운 ‘어느 장소’를 찾아내어 지역적이고 사적인 소재를 발굴하는 과정에서 숨겨지고 잊혀진 이야기를 탐색하고 직조하는 탐험가이자 이야기꾼이다. 어쩌면 이는 <태양 없이>(2018)나 <DORORI>(2022)와 같은 작품들의 근저(根底)에 자리한 다큐멘터리즘의 ‘역설’ 안에서, 주된 사실 사이에 가려지거나 잊힌, 누군가에게는 사소하고 쓸모없을지도 모르는 주변화된 사실들 혹은 배제된 사실들을 서사의 중심으로 끌어냈던, 그 작업 태도와 같은 맥락이 아닐까 싶다. 왜냐하면, 일상사 안에서 이야기를 발굴하고 취재와 조사를 통해 서사를 구축하는 다큐멘터리의 방법론으로 시작된 이 두 작품은 실상 작가의 손에서 ‘재현’의 과정을 거치면서 본디 주인공이어야 했을 재현의 대상보다는 그 뒤에 숨겨진 진실 혹은 사소하고 개인적인 이야기들을 새로운 주인공으로 내세우면서, 픽션과 논픽션의 경계를 애매하게 흐리기 때문이다. 쉽게 말해, 고영찬 작가의 이야기는 재현하는 대상보다 오히려 재현을 수행하는 창작자의 관점에 충실한 이야기가 된다.
단채널 영상 작품 <태양 없이>와 아카이브 사진을 다루는 설치 작품 <티끌 모아>(2022)의 배경이 된 빌라흐도넬(Villardonnel)은 작가가 프랑스에 체류할 당시 관심을 갖게 된 마을로, 과거 어느 시절에는 세기의 금광으로 불릴 만큼 번성했다가 지금은 폐광이 되어 접근이 금지된 살시니유(Salsigne) 광산 부근에 위치한 곳이다. 작가는 마을 주민들의 증언을 토대로 과거 광산의 시간을 탐험한다. 인물을 통해 전달되는 증언의 이면에는 반드시 과거의 시간이 존재하고, 그 과거의 시간을 품은 장소는 서사시를 들려준다. ‘태양이 사라진 마을’이라는 가상의 상황 설정을 두고, <태양 없이>는 폐광이 결정된 후 광산 점거를 위해 8일간 스스로 갱도 안으로 문을 닫고 들어가 지냈던 광부들의 시간을 현재로 불러내면서, 폐광이라는 중심 사건보다는 오히려 아코디언을 연주하고 카드놀이를 하며 보냈던 광부들의 시간을 서사의 축으로 삼으며, 칠흑 같은 어둠 속에서 연출된 빛 한줄기를 소환하여 어린아이들의 이마로 옮겨와, 마치 유전자처럼 과거로부터 현재로 전승된 ‘빛’의 은유를 심어놓는다. 이로써 작가에게 어두컴컴한 광산의 갱도라는 장소는, 어둠으로부터 밝은 방을 보아야 한다는, 빛을 기억하는 장치인 카메라의 원초적 기능과 원리로 비유되었다.
“Là, je ne peux vraiment rien faire!!!”
(이 사진은 정말 어떻게 해 볼 수가 없네요!!!)
빌라흐도넬의 이야기와 시간을 수집하던 작가는 이 작은 마을의 관공서(Mairie de Villardonnel)에서 보관하고 있던 아카이브 사진을 들여다보던 중 어느 한 장의 사진으로부터 이런 문구를 발견한다. 얼핏 뜬금없어 보이는 이 문장은 <티끌 모아>를 이해하는 시발점이다. 마을의 모습을 기록한 자료로서 아카이브 사진은 ‘디지털 보정’ 전과 후의 사진이 각기 쌍으로 묶여 함께 보관되어 있었는데, 원본의 사진에는 당시의 카메라 기술(아날로그 필름 카메라였을 것이다)이 가진 거친 속성이 드러나고, 또 인화된 사진을 오랜 시간 보관하면서 여기저기 긁히고 얼룩이 지거나 먼지와 같은 이물질이 달라붙은 흔적들이 있었기 때문에, 기록으로서의 가치를 보존하기 위해 인화된 사진을 디지털화(스캔)하여 저장하는 과정에서 시간의 흔적들이 결합된 새로운 디지털 원본과 함께 이러한 거친 이미지가 선명하게 손질된 아카이브 사진이 탄생하게 된 것이다. 라이트박스와 슬라이드 필름으로 구성된 설치 작품 <티끌 모아>에서 작가는 이렇게 ‘원본’으로부터 사라져버린, 얼룩이나 긁힌 자국, 과거 사진 기술의 흔적들을 광산 마을의 역사와 같이 바라본다. 사라지고 배제된 어떤 것, 과거에는 존재했으나 현재에는 없는 것, 기억과 기록에는 남아있으나 지워진 것, 지워져야 했던 것, 작가에게 그것들은 광산의 갱도에 가득했던 수많은 가루와 먼지들, 그의 표현을 빌자면 ‘알갱이들’과 같은 질의 것으로 여겨졌다. 이렇게 작가는 ‘알갱이들’로 은유된 누군가와 무엇, 그것들을 다시 관찰하고 되살리는 작업을 통해 현재의 시간으로 과거 광산 마을의 시간을 불러온다. 이렇게 작가가 이 ‘알갱이들’을 소환하기 위해 ‘번호’를 매기고 호명하는 작업은 아카이브를 대하는 그의 태도를 반영한다. 작가는 아카이브를 변형하는 과정에서 날 것이었던 최초의 기록이 가진 원질서(original order)로부터 삭제된 쓸모없는 것(으로 합의/규정한 것)들에 다가가려고 한다. 데리다가 아카이브 열병을 설명하기 위해 서술했듯이, ‘우리는 아카이브를 통해 이미 잃어버린 것, 사라진 것을 갈망하고 있지만 실제로 아카이브는 그 부재의 흔적만을 보존할 뿐 과거의 기억 자체가 될 수는 없다.’ 알갱이들은 우연히 발생하였지만, 의도적으로 사라졌다.
사라지고 배제된 서사를 찾는 작가의 탐구심은 도난당한 뒤 반환된 민속문화재 ‘짐대하나씨’에 관한 사건을 다룬 최근작 <DORORI>에서 더욱 흥미진진해진다. <DORORI>의 서사는 전라북도 부안군 동중리 마을의 민속 신앙으로부터 미스터리한 민속문화재 실종 사건을 경유하여, 진술과 증언을 의심하게 되는 정황과 그 실체를 파악할 수 없는 대상을 은유하면서 사건의 단서들을 추적하는 과정으로 이루어진다. 그런데 여기서 추적을 하는 것은 작가일 뿐만 아니라 동시에 관객이다. 왜냐하면, 서사 안에서 사건의 실마리는 참과 거짓의 여부를 가늠할 수 없는 상태이고, 관객은 사건을 이해하기 위해 그 알 수 없는 실마리들을 주워 담아야 하며, 게다가 사건에 대해 진술을 하는 자들은 의심스럽기만 할 뿐이기 때문이다. 영상의 시퀀스를 구성하는 불확실한 이미지들은 진실에 접근할 수 없는 현실이자, 진실에 얽힌 불신과 그에 대한 욕망과 같은 것이다. 작가는 마을 주민의 이야기들을 수집하면서 진실과 거짓을 유추하는 것보다 역으로 진술자들을 의심하게 되는 정황을 경험하였고, 이러한 주체와 진실 사이의 윤리적 관계를 의심하여, 목격자와 전달자, 그리고 의심하는 자들 사이에서 실체적 진실의 허구성을 발견한 것이다. 그리하여 작가는 증인, 즉 진술하는 자가 아닌 목격자로서의 장소를 사건의 대상으로 치환하여, 그 안에서 증거물들을 탐색하기로 하고 증인에 대한 의심을 역으로 활용한 서사를 새롭게 구축하여 불확실하고 모호한 상황을 연출한다.
작가가 전시의 제목으로서 ‘엑스 시추’(Ex-Situ)를 차용한 것은 어쩌면 장소의 이동과도 관련이 있을지 모르겠다. 엑스 시추는 실험실에서 사용하는 용어로서, ‘본디 자리에서’라는 의미의 ‘인 시추(In-Situ)’와 반대로 ‘off site’, 즉 실험실 밖에서 수행한 실험을 의미한다. 작가는 엑스 시추가 또 다른 어딘가로의 ‘이동’이 필수적인 상황, 그 과정에서 ‘변질’의 가능성을 전제로 한다고 여긴다. 그의 작업 무대가 <태양 없이>와 <티끌 모아>의 배경이 된 빌라흐도넬에서 <DORORI>의 배경이 된 전라북도 부안 일대로 이동한 것도 절묘하게 그가 실험의 토양을 옮기듯 자신의 터전을 ‘이동’시키면서 외부적 변수의 작용과 마주하게 되었기 때문일 것이다. 작가는 이번 개인전을 엑스 시추와 같은 실험으로 간주하고, 변화한 토양에서 다시금 지난 작업을 돌아보며, 그 속에서 또 다른 새로운 개념을 찾아가려고 한다.
작가소개
고영찬은 ‘아래로부터의 역사’를 방법론으로 삼아 ‘제멋대로인 장소들을 재주술화’*하는데 관심을 두고 특정 장소에 관한 작업을 전개하고 있다. 독학수사관으로서 장소를 탐사하고 증인들을 탐문하며 주변화된, 잊혀진, 지역적이고 사적인 이야기를 발굴해 나간다. 장소의 기억, 개인의 기억, 그곳과 관련된 사건, 사고, 풍경, 장소성이 작업의 축을 이룬다. 《Nuit blanche》(Les grands voisins, Paris, 2019), 《24èmes Rencontres Internationales Traverse》(Les Abattoirs, Toulouse, 2021), 《기술적 수치》(을지로OF, 서울, 2022) 등에 참여했으며, <태양 없이>(2018)가 제14회 부산국제비디오아트페스티벌 경쟁작으로 선정되었다. 이 밖에도 이케눙크(ikénunk) 콜렉티브의 멤버로도 활동하며 예술과 생존이 기묘하게 결합된 경계적 예술 형식에 대한 실험을 이어가고 있다.
Introduction
Written by Boram Lim
Ko Young Chan’s ‘place’ is alive. He seems to regard a place as if it is a living organism. For him, a place is an entity that silently witnesses events, gathers traces and leaves behind evidence. A place accumulates memories of those who lived there throughout the ages and then recites them, in a hushed tone, as if they were epic poems.
The artist, Ko, calls himself a ‘self-taught investigator’. He uses a documentary approach and is especially interested in the ‘history from below’. However, rather than being historian, faithful to the records of events and places, he is a storyteller who weaves forgotten stories from the discovery of an interesting ‘place’ and the excavation of local and private materials. This work attitude becomes clear in the works of <SIM SOLEL> (2018) and <DORORI> (2022), where marginalized or excluded facts which might seem insignificant and useless at first, become the central narrative. In contrast to the main facts, this emphasizes the paradox of documentary which forms the basis of the underlying works. They use the documentary’s methodology of discovering stories in everyday life and by constructing narratives through collecting and investigation, the line between fiction and non-fiction is blurred by the artist. Thus trivial personal stories become the new protagonists rather than the actual object of representation that is supposed to be the main character. In other words, the story of the artist, Ko, becomes faithful to the perspective of the artist who is carrying out the representation rather than the object being represented.
Villardonnel, a village he became fascinated with during his stay in France, forms the background of the single channel video <SIM SOLEL> and the installation <Gathering Dust> (2022), which is based on existing archive photos. It is located near the Salsigne mine, which prospered enough back then to be called the gold mine of the century, but has now closed down and is forbidden to enter. The artist explores the time of the mines through the testimonies of people in the village. Behind these testimonies lies the past and the place. The place embraces the past by reciting us an epic poem. The imaginary setting of the ‘village where the sun has disappeared’, <SIM SOLEL> brings to life the time when the miners occupied the mine for 8 days after the decision was made to close it down. The central event of the abandoned mine is set aside, and the miners’ time spent playing accordions and card games is shown as the main axis of the narrative. And then, the ray of light fabricated in the pitch-darkness is transferred to the foreheads of children, and the metaphor of ‘light’ passed down from the past to the present is planted like a gene. In this way, for the artist, the gallery of a dark mine shaft is comparable to the original function and principle of a camera, a device that stores light, which requires seeing a bright room from the darkness.
“La je ne peux vraiment rien faire!!!”
(I really can’t figure out what to do with this picture!!!)
Ko found this phrase on one of the photos while looking through the archives kept at the town hall(Mairie de Villardonnel) of this small village. At first, it seemed insignificant, but then becomes the starting point to understand <Gathering Dust>. As a document that recorded the appearance of the village, the archive photos were stored in two versions: before and after ‘digital correction’. The original photograph(made with an analog film camera) revealed the harsh nature of the camera technology of the past time. It contained scratches, stains, and debris caused by the test of time. In order to preserve the value of these old photographs, they were enhanced and restored through digital technology. The new digital sources were then combined with the rough images carrying the traces of time. In <Gathering Dust>, an installation work composed of a light box and slide film, the artist looked at the stains, scratches, and traces of the past photographic technology that were removed from the ‘original copy’ as if it was the history of the mining town. Here is something that had disappeared and been excluded, something that existed in the past but not in the present, and something that remained in memory and official records but had to be erased. For the artist, they were of the same texture as the numerous dust particles that filled up the mine shaft. This way, the artist brings back the past time of the mining town to the present time by re-observing and reviving someone and something while he depicted them as ‘little particles’. The process of ‘numbering’ summons back these ‘particles’ while also reflecting his attitude toward the archive. By modifying the archive, the artist tries to approach the useless things (things agreed upon/defined as) that have been deleted from the original order of the initial records. As Jacques Derrida wrote to explain the archive fever, ‘we are longing for what has already been lost and missed through archives, but in reality, archives only preserve traces of their absence and cannot be memories of the past.’ The particles arose accidentally, but deliberately disappeared.
The artist’s quest for a lost and excluded narrative becomes even more compelling in his latest work <DORORI>, dealing with the case of the folk cultural asset called Jimdaehanassi, which was first stolen and then returned. In the case of the mysterious disappearance of cultural assets, the narrative of <DORORI> searches for clues as it depicts the folk religion of Dongjung village, Buan-gun, Jeollabuk-do. It becomes a metaphor for the circumstances in which statements and testimonies are conducted while the subject is not clear. However, it is not only the artist who is chasing the clues here, but also the audience. Because it cannot be determined whether the clues in the narrative are true or false, the audience must pick up the unknown clues to understand the incident. Moreover, those who make the statements are suspicious and doubtful. The disconnected images that make up the video sequence are the reality in which the truth cannot be found. Doubting the truth and a desire to know the truth gradually intertwine. While collecting the stories of the witnesses, the artist was confronted with doubt instead of discovering what was true or false. He even started to doubt the moral relationship between these subjects and the truth. From the testimonies of the witnesses, the messenger and the skeptics he eventually discovered the falsehoods in the substantive truth. Thus, the witnesses are replaced by the artist with the place of the event itself becoming the witness. As he looks for evidence within the place, he creates an ambiguous situation by constructing a new narrative that uses the suspicion of the witness in reverse.
‘Ex-Situ’, the title of the exhibition, might have something to do with the movement of places. Ex-situ is a laboratory term. As opposed to ‘in-situ’, which means ‘on the original place’, it means ‘off site’, away from the natural location, referring to an experiment conducted outside the laboratory. The artist believes that ex-situ presupposes the possibility of ‘transformation’ in a situation where ‘moving’ to another place is essential. External factors contributed to the fact that the artist moved the background of his work from Villardonnel, the setting for <SIM SOLEL> and <Gathering Dust>, to the area around Buan, Jeollabuk-do, which became the setting for <DORORI>. Perhaps similar to moving the soil in the case of laboratory experiments. The artist regards this solo exhibition as an experiment ex-situ, reflecting on his past work while standing on changed soil, and distilling a new concept from it.
*Alastair Bonnett의 「장소의 재발견」에서 인용
Plan B project space 